为什么梵高的画在他死后人们才发现画的价值？

1. 为什么梵高的画在他死后人们才发现画的价值？

一句话：世上本无路，走的人多了就有路了。
翻译过来就是：世上本无印象派的出头之日，但后人思想开放了，就接受了，于是印象派和后印象派的几位先驱就被世人供奉为师祖，画也就值钱了。
请看看梵高所处的时代，那是学院派做主流的时代，印象派刚刚兴起而且势单力薄，学院派极其痛恨鄙视并且打压所谓的印象派，而那时候印象派的几个发起人自己也不知道自己的叫什么，只知道自己想这样画，等到梵高接棒时，仍然不知道啥是印象派，也觉得自己画的是自己想要呈现在画布上的，生平就不说了，大家都知道，等到过了许多年后，又有人开始画这种类型的画而且逐渐多了起来，并被广大人所接受，这时才有人惊奇的发现，噢，原来N多年前就有人开始画我这种类型的画了，是谁？是梵高，高更这几位，于是梵高他们就被这些人恭为始祖了，印象派也就这么来了，至于说他的天赋，的确高，但生不逢时，假如让他画一幅标标准准的学院派或古典主义画作，梵高未必画的好，所谓天赋，可以理解为就是悟性的集中体现，既然梵高天赋最高，为何除了印象派作品之外没有其他任何种类的画作？所以，我觉的如果分类，梵高的天赋最多算一流，也就是天才级，而达芬奇算作神级，甚至费钦的天赋都比梵高略高一筹，算超天才级。

2. 梵高绘画艺术价值的评价

尽管由于时间的距离带来对梵高研究和评价上的各执己见，但梵高被美术史归纳为后期印象派代表画家并在近代美术史上扮演着不亚于塞尚、高更的重要角色，足以说明梵高的一生是伟大的一生。仅仅37年的生命历程，而绘画创作又不超过10年，却形成了印象派中区别于塞尚、高更绘画风格的强调主观世界的表现主义形态。
100年来，人们对梵高的热爱越来越强烈，对梵高的研究越来越深入，梵高也由于人们对他的挚爱而在绘画史上享有了无与伦比的地位，这一切正好验证了梵高所说的“我的艺术是献给未来的”这句话是千真万确的。
基于此，我认为对于梵高主观表现主义形态的形成有必要进行深入的分析研究。因为梵高作为画家，他的生存方式和对艺术的执着追求与众不同。
如果把梵高和我国历代与其有相似之处的艺术家诸如张旭、怀素、米芾、徐渭、朱耷以及当代的石鲁等并列起来看的话，梵高并非真正意义上的精神病人。我认为梵高其实是死于孤独，死于无人对他的理解和认识，绝不是“由于精神病发作而开枪自杀”之类的原因。因为梵高的最终结局完全是他预料中的，他曾说：“创造新东西的艺术家，都会遭到嘲笑，并且被当做精神病看待，艺术家无法忍受冷酷的环境，到了最后就会走上毁灭自己的悲剧之路。”梵高的孤独几乎与所有被褒或贬的孤独都不同。苏东坡的一生虽颠沛流离，但有生之年还是体会到了名满天下的快意，所以才有“高处不胜寒”这样内在与深刻的孤独。李白郁郁寡欢是源自于胸怀大志却无人赏识，才能得不到施展，故“借酒消愁愁更愁，抽刀断水水更流”。他在吟诗作赋上体现出的才华得到举世公认并有诸多知音，杜甫就是其中之一，所以李白才有“举杯邀明月，对影成三人”的超越现实的浪漫主义孤独。屈原“众人皆醉我独醒”是源自于他不屑于、不肯与众人同“醉”，他忧国忧民、慨叹人生，所以才有“路漫漫其修远兮，吾将上下而求索”的大彻大悟，这是一种高雅、富贵、充实的孤独。然而梵高却是孤独得可怜、痛苦，他对亲情渴望，但只有弟弟对他给予过理解；对爱情向往，但只有妓女与之往来；对友情珍视，但高更后来还是离他远去。这一切让梵高体会到了死亡是最彻底的孤独，也是能够寻找到的最彻底的自由。梵高的孤独还体现在，上帝造就了一个超越于时间与空间的旷世奇才，却没有造就出能够理解他的亲人、认识他的朋友、欣赏他的观众，所以他的艺术知音非常寥落。梵高一生是在被误解、被忽视并且被遗忘和几乎无人理睬中度过的。像雷诺阿、莫奈等能够被别人讥讽、嘲笑和咒骂都使梵高非常羡慕。他不知道自己是个天才，不知道自己是位艺术家，他的心声只能向唯一能够理解和珍爱他的弟弟提奥倾诉。在给弟弟的最后一封信中写到：“我不需要故意表达凄凉和极端孤独的心情，我希望你能马上看到这些画，我觉得这些画会把我无法用语言表达的话告诉你……”当弟弟扑到即将死去的梵高身上泣不成声时，梵高却非常平静地说：“兄弟，不要伤心，我是为大家着想才这么做的。”从这两段话分析，梵高是非常理智和清醒的。但是梵高的最后一幅作品《麦田上的乌鸦》却是—种无序笔触的堆砌，占画面几乎1/2的黑蓝色天空，挤压着金黄色的麦田，一条小路伸向远方但没有到天边就已到了尽头。而翻滚的麦浪好像恐惧空中的袭击，无数只象征着死神的乌鸦在画面上空翻飞盘旋，人们仿佛能听到恐怖的哀鸣。通过这幅画不难看出，梵高在做出最后抉择之际头脑是清醒的，情绪非常稳定，他已经不再激动、不再冲动、不再感动了，创作激情已经完全失去。就在这时梵高永远忧郁的眼神可能有了瞬间的喜悦，因为他已经深刻地认识到孤独比死亡更痛苦。
尼采曾说：“在人世间遭受最深苦恼、吃过最多痛苦的人才算伟人。”那么，梵高一生与苦恼抗争不懈，而且总是在超越身心最大承受极限之上痛苦挣扎，为艺术燃烧了自己的一切，这样的一生，无疑是充实和伟大的一生。
童年的梵高就体现出了强烈的孤独与任性，他“不喜欢家里炉火的温暖，而喜欢徘徊在荷兰荒芜的原野间”。他对生活的感受是超乎常理的，比如当他看到闪烁在夜空的星星时，却认为晚上比白天还明亮……梵高成人以后，作为美术商店的服务人员，在一位顾客表示要买一幅客厅挂的画时，梵高竟然顶撞顾客说：“画虽然有好有坏，却没有什么挂客厅、挂餐厅之分。”当客人认为有一幅画稍微大了一些时，梵高很不客气地嚷道：“你是从什么时候开始根据大小来买画的？”当梵高成为一名私立学校的临时教员时，经常和校长发生冲突。除了最后从事的绘画，他几乎所有的事情都一事无成。
梵高是在传教过程中体会到了人世间的美好。看到矿工生活条件恶劣、缺吃少穿并有疾病缠身的情况，他把自己的衣服施舍给矿工，甚至把自己的床位借给病人而使自己没有住的地方。梵高也同样在传教过程中体会到了人世间隐藏在美好背后的丑恶。那就是梵高所有的慈善友好行为，都被教会视为过分、过火并不能忍受而对其提起申诉。从这时起，一颗炽热的心灵仿佛被浇了一盆凉水。梵高对宗教的信仰开始动摇，对基督开始怀疑，他发现宗教是富人的宗教，适合于有钱人，而与贫苦人没有太大联系。最后他还是选定了绘画，他认为绘画可以施展自己的才华和远大抱负，于是“梵高从眼睛的神色到喉咙的声音都变了”，他开始向自己新开辟的美的世界勇往直前。
梵高没有一点绘画基础，也没进过美术学院。当受过严格的学院派教学训练的画家表哥毛佛劝说梵高“应该画些石膏素描之类的画”时，梵高反驳：“这种没有生命的东西根本没有画的价值。”并将石膏像碾碎丢在垃圾堆里。梵高刚开始画就把目光投向了穷苦劳作的庶民而非王侯贵族、大富翁和贵夫人等。他说：“我拼命地画画，画那些雪地里挖人参的女人，这是为了表现农夫的工作状态，我反复不停地画，专画这些本质上现代的人物画，至于希腊时代的人，文艺复兴时代的人或荷兰的古画等等，我都不曾画。”这也恰恰使梵高没有受到任何画家对他的影响。所以才能够以区别他人的方式接近生活、以完全个性化的内心感受去认识生活，以自己独特的语言去表现生活。这体现出梵高自始至终没有把注意力放在技能、技巧的提高上，而是要充分表达情感和意志；没有把目标放在画匠的标准上，而是要成为真正意义上的艺术家。
不可否认，在艺术上的高度自我是成就梵高最主要的原因，但也曾经有一段时期他的艺术创作确实受到了来自生活中的喜悦心情的影响。那就是生活在位于欧洲南部的阿尔乡村小镇的那些日子。这里与他长期生活的荷兰完全不同，下雪的时候透过寒冷的天气仍然会有温暖的阳光照在身上，在这里他总是忘却寒冷而漫步在明朗的山野之中，长期以来一直遭受打击的身心得到了从未有过的舒展，精神也分外清新爽朗，这时的梵高像复活了一样。在这个小镇子上，他有三个朋友，其中一位是镇上的妓女，这个女人给梵高的生活增添了很多愉悦。这段时间是梵高创造力最旺盛、作品数量最多的时期。他这时的作品多以明亮、华丽、富贵的黄色、红色、橙色为主调，充分体现了对生命的赞美，对美好生活的向往。梵高在这里完成了著名的《阿尔附近的吊桥》、《盛开的桃花》、《向日葵》和最具代表性的《戴麦杆帽的自画像》。《社会的自杀者》一书的作者安东尼·亚尔特通过这幅画给予梵高极高的评价。他说：“梵高的眼睛是伟大的天才之眼，从画布里发出的炯炯目光，好像在对我们进行解剖。在那一瞬间，我觉得这幅画所表现的主人早已经不是画家的梵高，简直就是永恒不朽的天才哲学家。连苏格拉底也没有这种眸子，大概在梵高以前的伟大人物中只有悲剧性人物尼采表现过这种灵魂之窗，这是从精神的出口赤裸裸地来表现人间肉体的眼神。”我认为这段话与其说是对画的评价，不如说是对人的评价，是对梵高真正意义上的评价。
亚里士多德曾说过：“没有一个天才不带一点疯狂。”约翰·德莱顿还说：“天才与疯子比邻，其间只有一纸屏风。”我认为这话似乎就是说给梵高的。如果把成功的画家分为两类的话，一类如吴昌硕、齐白石、黄宾虹、潘天寿、傅抱石、李可染、陆俨少等，他们都有“不以物喜，不以己悲”大彻大悟的人生境界。另一类如张旭、怀素、米芾、徐渭及当代的石鲁等，他们都时而大喜大悲，时而痴癫疯狂，时而喜怒无度。这两类画家在艺术上的成就可以放在一个平面上类比，但人格完善上则无法相比，梵高应属于后者。 对梵高的评价与其说是“向日葵”因为一位画家的挚爱而在绘画史上享有无与伦比的地位，不如说一位画家因为一种花而被无数普通人认识、理解和怀念。因为这种花是梵高创造的伟大艺术。“若天之自高、地之自厚、日月之自明”，梵高的艺术创造就是天然本真的生命，当世俗形骸消亡之日，就是他的艺术走向永恒之时。

3. 梵高绘画艺术价值的评价

几次解读梵高作品，词不达意的认为其整体特点是：个性鲜明，意境奇幻，风格独特。
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梵高早年在巴黎受到印象派影响，这时画面变得越来越明亮，吸收了印象派的一些技法，如点彩。其画在构图上有强烈对比，从而达到一种视觉平衡。在他的画中，运用动感的、连续不断的、波浪般急速流动的笔触。热烈的厚涂，及各种颜色很自然地营造出了令人感到震撼的效果。假如从一幅幅单张作品的角度上看，刚劲有力、别具一格的笔触便意味着传统意义上气质或者独特的风格。后期，许多作品都表现出强烈的动感和"视觉冲击"。旋转的线条、粗犷有力、让人感到画家复杂强烈的感情和表达的冲动。雅昌艺术博客/Q4Y'u1jk�1�7J9~

笔者认为他要表现的是他对事物的感受，而不是他所看到的视觉形象。人们崇拜的是他画画的精神融在他的画里，看一副画不能只看画，应该看看作者的历史背景，什么年代，什么风格，什么层次的作者等。这样你就很容易看懂画了。梵高的画可贵在于他不仅是用心灵，而且是用生命在画画。他的画充满了狂放的激情，同时又包含着对宇宙和自然的敬畏，看过梵高作品的人都知道，他的画有独特的笔触和灿烂的色彩，这些笔触和色彩都表现了他内心燃烧的激情，同时他作品中表现的大量小人物，也让人感到他对于人类命运的深切悲悯和关注，让人觉得他平凡中的伟大，也许正是这种既单纯又复杂、既平凡又伟大的特点，让人觉得凡高的画可爱可敬。
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似乎这就是他的画的特别之处，别人在写形的时候，他在写意。其画恐怕不仅仅是他前卫大胆的色彩和构图，强烈的色彩、简单的形状，会让你第一感官去体味作者的心境。雅昌艺术博客*Z�1�7k
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4. 梵高的画作生涯是如何的？

和塞尚并立的还有凡•高和高更。凡•高认为印象派一味探索光与色，美术便陷入了失去强烈而富于热情的表现力的危险之中。他深受东方艺术、日本版画的启示，渴望自己的艺术具有简率、强烈的艺术效果。比凡•高年长5岁的高更，出于对欧洲文明和传统艺术的怀疑，索性离开欧洲，到南太平洋的塔希堤岛和土人长期生活在一起。他以率直、单纯化、近于原始艺术的造型和配色，表现自然提示给他的感受和他对岛上“自然的宠儿”的倾慕。出于主观情感的浓烈，他和再现性创作过程告别，以某种“暗示”和“象征”代替叙事性的描绘，以对平面的自由支配代替了透视、光影、立体造型等法则。

5. 梵高的画作为什么有这么大的影响力？

呵呵，之所以在他死后才会出名，是跟社会有关系的，当时的艺术风格是根据时代进步的，梵高生活的时期正是工业革命时期，新兴工业艺术冲击了传统艺术，当时的艺术陷入了一个迷茫裹足不前的状态，因为传统艺术跟不上时代的新形式了，过了大约一世纪，才有了新的艺术局面，当时叫做新艺术运动，因为钢铁的盛行，人们利用钢铁的材料特质制造仿植物的藤条装饰，象征自然生命力，这种风格在当时大为流行，梵高就是生活在这样的环境中，但是他却创造了抽象风格，这当然是不被社会所认可的。但是在他死后一百年左右，又一场艺术运动爆发了，因为工业的发展迅速，开需要大批量的生产，批量生产的前提就是设计不能过于复杂，而需要高度抽象的几何形式，这长运动叫做装饰艺术运动，这样的社会影响，是使大家注意到了一百年前的梵高，还有毕加索等等画抽象风格的画家，后期的包豪斯设计学院，荷兰的风格派艺术，都是以抽象风格为主体来设计的。这也就是后期的艺术家大大推崇他们的原因了。
个人见解，这是涉及到历史、设计等多种原因的。希望你用的上

6. 梵高的画几乎很难让人看懂,为何他的艺术价值会那么高?

　　梵高，一位伟大的艺术家，但也是一个落魄的天才，他的一生充满坎坷与艰辛，唯一能够给予他温暖的人是他的弟弟提奥。作为一位画家，自己作品不能够被世人理解是最痛苦的，但是一生却有如提奥一样的知己已经是莫大的幸运了。关于梵高的故事，总少不掉他的这位知己弟弟提奥。

　　梵高在当时被人们看作是一个行为怪异的人，甚至很多人认为他是精神病。但是只有梵高自己知道，自己的世界别人根本不懂。梵高从小就跟着自己的弟弟提奥学习绘画，他的天赋很好，拥有深厚的传统绘画基础，不过当时因为正在闹思想革命，传统思想与新思想发生了碰撞，梵高作为一个画家，他将新的绘画方式融入到了自己创作之中，使其作品通常个性张扬，色彩鲜明。
　　梵高的一生是悲惨的，他在当一个小职员的时候，喜欢上了房东的女儿尤金妮亚，但是尤金妮亚对他却丝毫没有感觉，当梵高看见自己心爱的女人与别的男人拥抱接吻时，伤心欲绝的梵高离开了伦敦。梵高不擅长与人交流，没有人能够懂得他内心的孤独，他唯一的依靠就是自己的弟弟提奥。
　　正是因为生活的不幸成就了梵高的伟大，他专心于绘画，每一幅画都注入了他的心血，每一幅质朴的画都是他对生活，对世界的感悟。他运用简单的线条，鲜艳的颜色表现出来自己的个性，在这些色彩鲜明的画作中还蕴含了他内心的一丝悲怆。
　　梵高的代表作《向日葵》和《麦田》，在创作《向日葵》时，他采用了大面积的色彩对面来凸现向日葵，他没有按照传统绘画的方式，而是随心所欲的绘画，他用手中的笔表达了他对生命的热爱，表现了自己的内心世界。梵高用自己抽象的线条将整个世界玲离尽致地展现在我们的面前，这也是梵高画的价值所在。

　　梵高一生估计创作了一千九百多幅画，但是只卖出去了一幅画，这一幅还是他的弟弟提奥通过他人转卖的，令人觉得讽刺的是，在梵高生前根本没有人在意他的画作，但是他死后却有无数的追随者，他们将他的画作奉为圭臬，如此前后待遇的差距，足以让我们看到世态炎凉，也让我们感受到了梵高内心那么极致的孤独，这是所有人都无法理解的，除了他的那个作为知己的弟弟提奥。

7. 梵高的画作为什么有这么大的影响力？

他摒弃了一切后天习得的知识，漠视学院派珍视的教条，甚至忘记他自己的理性。
在他的眼中，只有生机盎然的自然景观，他陶醉于其中，物我两忘。
他视天地万物为不可分割的整体，他用全部身心，拥抱一切。

梵高很晚才作为一位极具个性化的画家而崭露头角，距他去世时只有八年。
梵高几乎没有受过什么正规的绘画训练。为弄到画布、油彩和画具而曰复一曰地奔波劳碌，精神上也不断处于矛盾的状态，为追求艺术的完美而承受着压力，这些即使不是他后来罹病的直接原因，也给他的生活悲剧埋下了种子。

梵高着意于真实情感的再现，也就是说，他要表现的是他对事物的感受，而不是他所看到的视觉形象。
梵高把他的作品列为同印象主义画家的作品不同的另一类，他说：“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所欲。”其实，不仅是色彩，连透视、形体和比例也都变了形，以此来表现与世界之间的一种极度痛苦但又非常真实的关系。

梵高是一位具有真正使命感的艺术家，这也是自称表现派的艺术家们共有的特性。梵高在谈到他的创作时，对这种感情是这样总结的：“为了它，我拿自己的生命去冒险；由于它，我的理智有一半崩溃了；不过这都没关系……”.
梵高从来没有放弃他的信念：艺术应当关心现实的问题，探索如何唤醒良知，改造世界。

梵高自杀年仅三十七岁，作为一位艺术家，直到死前不久他才以其震憾人心而富于想象力的绘画赢得评论界的赞扬。
梵高死后不出几年，一些画家就开始模仿他的画法，为了表现强烈的感情，可以不对现实作如实的反映，这种创造性的态度被称作表现主义，并且证明是现代绘画中一种历久不衰的倾向。

8. 梵高的画作为什么有这么大的影响力？

他摒弃了一切后天习得的知识，漠视学院派珍视的教条，甚至忘记他自己的理性。\x0d\x0a在他的眼中，只有生机盎然的自然景观，他陶醉于其中，物我两忘。\x0d\x0a他视天地万物为不可分割的整体，他用全部身心，拥抱一切。\x0d\x0a\x0d\x0a梵高很晚才作为一位极具个性化的画家而崭露头角，距他去世时只有八年。\x0d\x0a梵高几乎没有受过什么正规的绘画训练。为弄到画布、油彩和画具而曰复一曰地奔波劳碌，精神上也不断处于矛盾的状态，为追求艺术的完美而承受着压力，这些即使不是他后来罹病的直接原因，也给他的生活悲剧埋下了种子。\x0d\x0a\x0d\x0a梵高着意于真实情感的再现，也就是说，他要表现的是他对事物的感受，而不是他所看到的视觉形象。\x0d\x0a梵高把他的作品列为同印象主义画家的作品不同的另一类，他说：“为了更有力地表现自我，我在色彩的运用上更为随心所欲。”其实，不仅是色彩，连透视、形体和比例也都变了形，以此来表现与世界之间的一种极度痛苦但又非常真实的关系。\x0d\x0a\x0d\x0a梵高是一位具有真正使命感的艺术家，这也是自称表现派的艺术家们共有的特性。梵高在谈到他的创作时，对这种感情是这样总结的：“为了它，我拿自己的生命去冒险；由于它，我的理智有一半崩溃了；不过这都没关系??”.\x0d\x0a梵高从来没有放弃他的信念：艺术应当关心现实的问题，探索如何唤醒良知，改造世界。\x0d\x0a\x0d\x0a梵高自杀年仅三十七岁，作为一位艺术家，直到死前不久他才以其震憾人心而富于想象力的绘画赢得评论界的赞扬。\x0d\x0a梵高死后不出几年，一些画家就开始模仿他的画法，为了表现强烈的感情，可以不对现实作如实的反映，这种创造性的态度被称作表现主义，并且证明是现代绘画中一种历久不衰的倾向。