20世纪80年代前期，中国文学在在艺术观念和方法上有哪些变革？

1. 20世纪80年代前期，中国文学在在艺术观念和方法上有哪些变革？

20世纪80年代前期的文学在艺术观念和方法上有了创新和变革，与社会、政治、人民情绪密切相关。文学创作成为社会政治、公众情感、人民生活的发声筒。

2. 我国20世纪前期的艺术设计在哪些方面体现了既保持传统设计特色，又能积极吸收国外现代设计优点的策略?

亲，很荣幸可以回答您的问题哟~老师这边给您查到的信息是：我国20世纪前期的艺术设计在哪些方面体现了既保持传统设计特色，又能积极吸收国外现代设计优点的策略：我国20世纪前期的艺术设计在建筑方面体现了既保持传统设计特色，又能积极吸收国外现代设计优点的策略。像林风眠、徐悲鸿、刘海粟这样一些学习西洋画的画家拿起了中国画笔,在将西画法融进传统笔墨,形成具有不同特色新中国画。德国现代主义设计大师D·拉姆斯阐述现代主义设计的基本原则是“简单优于复杂,平淡优于鲜艳夺目。【摘要】
我国20世纪前期的艺术设计在哪些方面体现了既保持传统设计特色，又能积极吸收国外现代设计优点的策略?【提问】
亲，很荣幸可以回答您的问题哟~老师这边给您查到的信息是：我国20世纪前期的艺术设计在哪些方面体现了既保持传统设计特色，又能积极吸收国外现代设计优点的策略：我国20世纪前期的艺术设计在建筑方面体现了既保持传统设计特色，又能积极吸收国外现代设计优点的策略。像林风眠、徐悲鸿、刘海粟这样一些学习西洋画的画家拿起了中国画笔,在将西画法融进传统笔墨,形成具有不同特色新中国画。德国现代主义设计大师D·拉姆斯阐述现代主义设计的基本原则是“简单优于复杂,平淡优于鲜艳夺目。【回答】
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3. 艺术家的创作个性和时代特色是怎样融合在一起的,谈谈艺术风格的形成

艺术作品的风格，必须发挥主体的个性特征。艺术风格与创作个性密切相关，而创作个性正是一个艺术家区别于其他艺术家的各种具有相对稳定性的显著的特征。艺术家的创作个性是造成不同艺术风格的主观条件。
创作个性存在于艺术家身上，通过他所创造的艺术作品表现出来，艺术风格也就是个性的具体表现。
不言而喻，艺术作品既然是艺术家的创造，那就不能不受艺术家主观方面所特有的各种条件总和的制约。

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风格具有多种含义，如作品风格、作家风格、时代风格、民族风格等，一般多指文艺家的风格。一个文艺家由于世界观、生活经历、性格气质、文化教养、艺术才能、审美趣味等的不同，在题材选择、主题提炼、情节安排、人物形象塑造、结构布局、语言运用等方面。
常呈现出与众不同的特色，形成不可重复的风格。风格是文艺家精神特性的印记，它不是体现在一些作品中或某些艺术因素方面，而是体现在全部创作的内容与形式统一中。
风格是文艺家成熟的标志。并非每一个作者都具有自己的风格，只有那些刻苦探索、独辟蹊径、勇于创新的文艺家，才有可能形成自己的风格。

4. 关于艺术发展的模式论，主要有哪几种观点

　　关于艺术的本质这个艺术学学科的根本问题，艺术史上的几种主要看法:
　　第一种，“客观精神说”。认为艺术是“理念”或者客观“宇宙精神”的体现。古希腊哲学家柏拉图是较早对艺术的本质进行哲学探讨的学者。柏拉图认为，理性世界是第一性的，感性世界是第二性的，而艺术世界仅仅是第三性的。德国古典美学集大成者黑格尔，对艺术本质的认识同样建立在客观唯心主义哲学体系之上。中国南北朝的刘勰认为文是道的表现，道是文的本源。宋代理学家朱熹认为，“文”只不过是载“道”的简单工具，即“犹车之载物”罢了。这样一来，“道”不仅是文艺的本质，而且是文艺的内容，“文”仅仅是作为“道”的工具而已。显然，这种“文以载道”说同样把艺术的本质归结为某种客观精神。 
　　第二种，“主观精神说”。认为艺术是“自我意识的表现”，是“生命本体的冲动”。德国古典美学的开山祖康德认为，艺术纯粹是作家艺术家们的天才创造物，这种“自由的艺术”丝毫不夹杂任何利害关系，不涉及任何目的。他强调艺术创作中，天才的想象力与独创性，可以使艺术达到美的境界。康德的这种意志自由论成为后来的唯意志主义的思想来源之一。处在19世纪和20世纪转折点上的德国哲学家尼采，更是将其推向极端。尼采认为，人的主观意志是世界上万事万物的主宰，也是推动历史发展的根本动因。在尼采那里，主观意志被说成是主宰一切的独立实体，本能欲望被夸大为具有无限的能动性。尼采是从美学问题开始他的哲学活动。在他的第一部著作《悲剧的诞生》中，尼采用日神阿波罗和酒神狄奥尼索斯的象征来说明艺术的起源、艺术的本质和功用，乃至人生的意义等等，它们成为尼采全部美学和哲学的前提。在我国古代的文艺理论批评史上，南北朝时代是文学日益繁荣的时期，文学艺术抒情言志的特点得到重视。但是，这个时期有的文艺评论家把“情”、“志”归结为作家艺术家个人的心灵和欲念的表现，根本否认文艺与社会现实的联系。宋代严羽的“妙悟”说和明代袁宏道的“性灵”说，也是把主观精神的表现和抒发当作文学的艺术本质特征。 
　　第三种，“模仿说” 或“再现说”。西方文艺思想史上，从古希腊以来，“模仿说”一直是很有影响的一种观点。这种观点认为艺术是对现实的“模仿”，发展到后来，更认为艺术是“社会生活的再现”。古希腊的亚里士多德在人类思想史上第一个以独立体系来阐明美学概念，成为在他之前的希腊美学思想的集大成者。亚里士多德认为艺术是对现实的“模仿”。他首先肯定了现实世界的真实性，从而也就肯定了“模仿”现实的艺术真实性。与此同时，亚里士多德进一步认为，艺术所具有的这种“模仿”功能，使得艺术甚至比它所“模仿”的现象世界更加真实。俄国19世纪革命民主主义者车尔尼雪夫斯基从他关于“美是生活”的论断出发，认为艺术是对生活的“再现”，是对客观现实的“再现”。车尔尼雪夫斯基的基本论点是艺术反映现实，但他所理解的现实生活，不仅包括客观存在的自然界，而且包括人们的社会生活，使其更加具有深刻的社会内容。

5. 简述艺术概念的历史演变及现代艺术概念的形成

艺术形式的概念是关系到美学和文艺学存在的本体性问题.在不同的历史时期对艺术形式概念理解的侧重点不同,19世纪以前是以客体的视角切入,19世纪的研究主要侧重于历史的中和,而20世纪主要是以形式本体的视角进行研究.     艺术有二种，一种是当代艺术，一种是现代艺术。当代艺术是伴随我们现在生活的种种艺术活动，这样的艺术有电影，有音乐会，也有油画、国画展览，更有时刻霎绕着我们日常作息的美化设计活动，从城市街桥、厅堂装修到服饰眼睛、食盘酒具、甚至眉梢的一抹青云。这些艺术活动总是动人而美丽，自古以来为大众喜爱。虽然人分贤愚，地有东西，众生悲欢不同，但是这种艺术，以崇高的激励、深沉的呼唤，温雅的抚慰和优美的显示构成文化。当代艺术将此种种艺术话动，以新的艺术形态、特别是“现代设计”和“公共传媒体系”（报刊、电视、网络）带给人们美好的生活。 而现代艺术，本来也是当代艺术中的一个门类。但是它一出现，就模样怪异，甚至尖峭而丑陋，一反其他门类；使大家初看之下，满心不快、就更谈不上欣赏。 为什么？ 这种名为“现人艺术”的事吻，实际上是隐藏在各种艺术之下的“艺术根本机能”。在漫长的人类文明史上，在现实生活的大部分状况中，它都被覆盖在美丽的外表之下。于是，造成一种假象：艺术就是“美”，但是，美是什么？难道美就仅仅是让人悦目（耳）赏心吗？一经提问，“美”就不再仅仅是美丽的形式和外表。翻开前人的论述，无论是往古的先哲如孔子、柏拉图，还是晚近的思者如爱因斯坦、蔡元培，都将美归之为一种“完美”，完美近于善，或正是简括而至善。艺术是在科学之外，在思想之外，对于那种不可言传的境界的追求和表达。 “根本机能”犹如脏腑，一旦赤裸裸地呈现在眼前，任何人，包话作者本人，都会为之惊诧，为之惶恐。因此，许多天才的艺术大家也还愿意让“艺术根本机能”藏在内里，不表现于外形。外形依旧用悦耳之声，中看之形，借助美丽的形式影响世界。可是，现代化时代来临之后，美丽的形式包不住艺术了。在所有发达国家，现代艺已成为艺术主流，成为政府资助和个人收藏的主体，或为社会文化的标志，最重要的是成为每个现代公民的基本教养。 并不是人们喜爱现代艺术，而是它有不可缺少的作用，所以它才是犹如心肝五脏，只中用，不中看。对于一个现代人来说，完全可以厌恶现代艺术的这种或那种风格和方法、但是不能回避它。因为它最少有四个方面不容回避。 第一，现代艺术的基本性质是创造。就是说，现代艺术专门以创造、创新作为它的特征。这与中国经济要领事创造性地发展科学技术的思路一致。艺术和科学都需要创造精神，但是只是适合观众的创造，就象科学技术是合乎逻辑的创造。而现代艺术的创造旨在突破现有局限，是一种纯粹的创造。作者不创造不行。越是超常，越是奇特，其创造价值就越大。可是在局外的常人看来，真作品就奇巧古怪，不合常情。七十年代末以来，在西方现代艺术中流行后摩登。（Post-moden中文常译“后现代”）是针对在此之前极端理性原则的新的创意，更是怪诞而丰富，所含的创造实验依然。世界上有各种各样的行业，只有一种行业是专门练习和实验人的创造力的，有了这个，又可用在各行各业之中，这就是现代艺术。 第二，现代艺术侧重揭露罪恶，即使是社会主义社会，也还存在着犯罪和腐败现象，甚至有些已司空见惯，（如投机取巧和弄虚作假），更不用说其他社会。所以现代艺术一开始就充当社会的哈哈镜、显微镜和探视镜。它用奇异的形象反照不正常的社会现象；用常人不注意的角度和深度显现人间问题的原因；用常理不能体察的方式来展示宇宙和人生的内含。相对装饰、美化的艺术门类，现代艺术就显得丑陋肤浅，但是它揭露丑恶，最终却为引起人们的警醒。 然而，一般人就看不懂，也就不想看。那么，这就不得不涉及下面的二点。 第三，现代艺术是在刺激观众的自觉性，传统艺术常常把影响、感动观众作为最大的成功。电流、小说，根不能让他人为之掬一把热泪。在个人意识薄弱的时代，人们渴望被别人拯救，在精神上也愿意追随，崇拜天才的艺术家与他们的杰作，就象十几岁的少年追逐歌星。但是，人类文明的发展逐步使每个人成为自觉而独立的人。他必须自己决定自己的事（选择），同时又敢于对之负责（责任）。在精神上他的判断力和感觉都不再那么轻易在受到感动，他要追问，他应该内心坚强。现代艺术就是为这样人准备的，是为艺术上的“成年人”所预备。现代艺术一般不给人一个现成的观念和意象，而给人半个，另外半个由各人自己从心里计升起。现代艺术是一个人对一个人的互相印证，在现代艺术中，没有人是艺术家，也没有人不是艺术家。 第四，现代艺术是直接诉诸人类的觉悟境界。单独地看一件作品，这件作品可能只是创造性地揭示某一个现象，以激起观众的自我反省。而现比艺术作为整体却不是某一个活性分子，而艺术现象只是艺术本性在单个时间、某个地方对某个问题变现。此次双年晨的题目就是“海上·上海——一种特殊的现代性”。展览很快会过去，作品也会渐渐被淡忘，而现代艺术的精神因此也就在这块地方，这一群人中孕藏，这种精神靠科学技术是达不到的，科技会让人分工更细而限制人的本性的完整，使人在职业化或中忽视性灵上的古渡沉钟。这种精神也是思想和宗教达不到的，思想和宗教先将人的精神转化为语言和教义，再在理性中执持为信念和信仰，使人内在微妙的悲欣无从清理。在人性的深处，包含着一股自由的清流，来自天尽头，又向永恒的寂静流去。无以诉说，无以把握，伏在每个人的心底，连传统和当代艺术的优美、雅致、悲悯和崇高的形式也不能到达那个地方，现代艺术却将人轻轻地（或重重地）推将去。 难道社会和文化的发达就意味着人人都欣赏“丑恶的艺术”，纵然它是有作用，有道理的吗？当然不是！对美好的追求是人性的趋向，也是社会发展的目标。所以当代艺术与现代艺术永远并存。  4

6. 20世纪艺术理论有哪些新的变化？

西方的文艺复兴，有多美丽。其实在我仔细看了高清版的《蒙娜丽莎》之后，我就觉得震撼。觉得任何一个点，任何一个位置都刚刚好。画面中微笑着的神秘女士，她皮肤的那种细腻，仿佛是不以时间而变化的。你近了看，你远了看，都会觉得很美。你不想在她【蒙娜丽莎】面前大吼大叫，你也不想表现地不开心。就好像你在心仪的对象面前，总希望自己是最美的。因为对方在你看来，也是最美的。这就是艺术。所以我经常说，每一幅作品，都是艺术家对自己生命的延伸。


《蒙娜丽莎》有很多解读，但任何解读都不应该离开达芬奇本人。也是就是说，蒙娜丽莎的笑从一定意义上说，一定是达芬奇的微笑。就像他那多才多艺的能力，让我们现在很多人都不解，一个人怎么能这么有才？
从达芬奇本人，我们其实也能够看到，科学也是艺术。科学的指向是弄明白这个世界，科学不许我们愚昧地活着。科学也指向文明，所以科学也是一种艺术。
你纵观艺术发展史，你去看看那些艺术史上的知名艺术家。从大的基数比例去发现，你应该能发现，艺术家大都不是反人类的，不会变成十恶不赦的恶魔。他可以很渣，很有性格，很花心……但真正的艺术家，不会容许自己去伤害别人。尤其是哪些在艺术上践行了多年的艺术家。即使贫困潦倒，在现实世界中左冲右撞不得出的时候，他们也只会伤害自己，而不会伤害他人。


艺术的本质是表达，表达情愫，表达思维。而这种表达需要对话，和自己对话，和自然对话。但往往不能花太多时间和别人对话，因为你花了大多数时间在觥筹交错中，和热闹中，你会错过很多很“真”的声音。这就是为什么，很多人艺术家都说，艺术事业需要孤独。
去读读《百年孤独》，《红楼梦》这些经典，真的你会发现，你对于词藻的把握，就是你对于生活的思考。艺术生永远不要把学技巧放在第一位，而要把怎么思考放在第一位。
每一个艺术家都是以自己为点坐标，来表达自己的世界的。那么与自己对话，就是每次创作开始的功课。你找到了自己与自己的矛盾，你找到了自己与周围的环境的矛盾，你必须解决矛盾。但矛盾永远没有最后一个。

7. 西方绘画艺术给我国现代艺术有何启发?中国该如何用传统优势发展当代艺术?

相对于现代绘画而言，西方传统绘画以“再现性”为其主要特征，但是这种再现绝非对自然一成不变的描摹，这种写实带有浓厚的风格特色：时代的、民族的，以及艺术家个人的风格特色。
在致力于追求纯艺术的现代派画家看来，传统绘画掺杂太多的“非艺术的杂质”。实际上，西方传统绘画并不是不讲艺术，只不过是在讲究艺术性的同时，兼顾着诸多非艺术性的方面。这大概就是传统绘画区别于现代派绘画的重要标志。
当代艺术的话语权确实掌握在西方手中，因此，中国的当代艺术要被世界所认可，如果不了解西方的话语结构，就没法跟他们抗衡。我们要发挥民族传统的优势，要创造出跟西方话语系统不同的东西，必须先将他们的系统“吃掉”。



扩展资料
中国画不重背景，西洋画很重背景。中国画不重背景，例如写梅花，一支悬挂空中，四周都是白纸。写人物，一个人悬挂空中，好像驾云一般。故中国画的画纸，留出空白余地甚多。（俗称：留白）很长的一条纸，下方描一株菜或一块石头，就成为一张立幅。
西洋画就不然，凡物必有背景，例如果物，其背景为桌子。人物，其背景为室内或野外。故画面全部填涂，不留空白。中国画与西洋画这点差别，也是由于写实与传神的不同而生。西洋画重写实，故必描背景。中国画重传神，故必删除琐碎而特写其主题，以求印象的强明。
参考资料来源：中国经济网-不吃透西方艺术 谈何超越？
参考资料来源：百度百科-西方绘画

8. 艺术的形象性在西方现代艺术兴起以来发生了什么变化？

现代西方艺术思潮作为现代资本主义社会的一种文化现象,对当代中国美术产生的影响,一方面是西洋诸多画种的引进,丰富了我国美术创作的载体。另一方面,西洋画的引进也打破了中国画长期以来的封闭、静止、缓慢变化的格局。中国画源远流长,是中华民族悠久历史文化积淀的一种传统绘画形式,体现着中华民族的审美要求,深受广大人民的喜爱。但是,中国画发展自清代中叶以后,确实暴露出了许多弊端。一是脱离生活,“标榜门户、陈陈相因、固步自封”“近亲繁殖”。①二是排斥科学,不重视发展。虽然在明代宫中供奉西洋传教士画家的风习一直沿袭到清朝,但它并没有对传统中国画家产生根本性影响,传统中国画仍然沿袭、继承古人“随类赋彩”“墨分五色”,注重强调 “物体的固有色”而发展着,直到今天,我们仍然没有系统的中国画色彩理论体系。三是形式的“程式化”,标志着中国画的成熟,同时它也是后人无法跨跃的障碍。正是在这种情况下,西方现代艺术注重科学、注重生活、注重形式多样化的创作思潮像一股清新的风吹过中国画坛,使中国画在观念上、表现技法上发生了根本性的变化。纵观100多年的历史,中国画吸收现代西方艺术的有益成分实现自身的转变,大致经历了三个阶段。 第一阶段,19世纪末至20世纪50年代(学习、普及西方绘画知识的时期)。虽然早在明朝时期,欧洲商人与传教士来华,在传播天主教和科学技术的同时,也带来了西方古典美术,打开了中国人的眼界,促进了中西美术的交流。但并未引起中国画家对这种“舶来品”的广泛注意。直到近代,许多有志之士,采取主动、积极的态度学习西方现代艺术。李叔同、高剑文、陈师曾、徐悲鸿等进步人士先后出国学习绘画。回国后,他们一方面兴办教育,普及西方现代艺术,另一方面积极主张“折中东西方”对传统绘画进行改造、创新。高剑文主张“在传统绘画的基础上吸收西洋绘画技法,效法日本画所走过的艺术道路,改革中国画”。以徐悲鸿、蒋兆和等一代宗师为代表,首先扛起现实主义旗帜,积极吸收西方绘画的素描、色彩知识以及人体结构知识,采用传统的笔墨,探索西洋画的塑型观念与中国画的笔墨语言相融合的方法,实现了贴近现实生活和面向人民大众的观念变化。山水画家黄宾虹大师在继承传统技法的基础上,吸收西方绘画知识,实现了由古代文人画的符号化、抽象化的高逸 ……